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Elssie Ansareo con 'La danse des flâneuses', un mural panorámico en blanco y negro; la artista recurre a la fotografía escenificada para narrar historias íntimas. Foto: ángel ruiz de azúa |
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Doce artistas vascos coetáneos exponen en el Guggenheim, 'Cada uno a su gusto'
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"He buscado creadores que, utilizando lenguajes universales, huyen de los efectos de la globalización", dice Rosa Martínez.
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María R. Aranguren
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bilbao. "¿Habéis cedido a vuestro deseo?", reza la gigantesca pancarta que Juan Pérez Agirregoikoa ha colgado en el atrio principal del Museo Guggenheim. La obra, que nos recuerda que a veces nos dejamos vencer por "las imposiciones de los otros", encabeza la exposición que ayer inauguró la pinacoteca y que recoge la obra de doce artistas contemporáneos vascos, una generación consolidada a finales de los años noventa y principios de 2000 que muestra su trabajo por primera vez en el Guggenheim.
La exhibición, que puede visitarse hasta el 3 de febrero, se sitúa en la tercera planta del Museo. En ella, según su comisaria Rosa Martínez, se aprecian los efectos de la posmodernidad, "que ha dotado a los artistas de libertad para elegir el medio que crean más adecuado para expresarse".
Por eso las apuestas de los artistas son variadas y van desde la fotografía y el vídeo hasta la instalación o las intervenciones específicas. El título de la exposición, Chacun á son goût (Cada uno a su gusto), frase atribuida al filósofo francés Denis Diderot, refuerza esta idea.
"La globalización ha provocado una homogeneización en la producción y el consumo de valores", explica Rosa Martínez. "Por eso he buscado artistas que hablen de la especificidad del lugar del que provienen pero que utilicen lenguajes universales", aclara.
Imágenes La fotografía artística es una de las apuestas fuertes de Chacun á son goût, en la que se incluye el fotoperiodismo. Clemente Bernad (Iruñea, 1963), reportero independiente, utiliza las imágenes como documento social y expone cuatro series en las que ilustra una huelga petrolera contra el gobierno de Chávez (Caracas), la vida de varios ancianos en una residencia de Iruñea (La Meca), la lucha sindical de un colectivo andaluz (Jornaleros) o algunos hechos de la historia más reciente del País Vasco (Basque Chronicles). "Creo, más que en las fotos, en el uso que se hace de ellas; creo que cuando se miran se crean sentidos nuevos y en ese aspecto, mi obra tiene todavía mucho camino por recorrer", explica Bernad.
Ixone Sádaba (Bilbao, 1977) comparte con el fotoperiodista el espíritu aventurero. En la serie Leviathan representa la "política del miedo" que cada año deja a miles de hombres y mujeres iguales ante el terror, un trabajo que la artista realizó en un viaje por el centro de los Estados Unidos durante la época de tornados. Cerca de estas imágenes se sitúan las de la serie Poétique de la disparition, con las que Sádaba explora el concepto de identidad mediante imágenes de un cuerpo fragmentado sobre una cama.
También Elssie Ansareo (México DF, 1979) profundiza en la idea de la identidad, pero lo hace a través de la fotografía escenificada. "Escojo personajes de mi entorno para que posen y utilizo una perspectiva renacentista, el claroscuro o elementos de trajes de época superpuestos a la indumentaria moderna para fotografiarlos", explica.
No es el caso de Aitor Ortiz (Bilbao, 1971), que hace uso de la fotografía para deconstruir las estructuras de los edificios. En Y, Ortiz coloca una serie de paneles fotográficos en la sala 304 del Museo y explora los límites entre escultura y representación fotográfica. "Se trataba de poner en juego la capacidad del espectador de percibir objetivamente la realidad".
audioVisual Manu Arregui (Santander, 1970) lleva al personaje real de Vanesa Jiménez, conocida como "la niña de los huesos de cristal" a su obra. Vanesa, que padece una enfermedad irreversible que provoca malformaciones en los huesos, alcanzó una cierta popularidad en televisión a través de programas que la ofrecían como ejemplo de superación personal. Arregui, que utiliza técnicas de modelado y animación virtual por ordenador en 3D, pone de manifiesto el hecho de que, como toda realidad mediatizada, este personaje real se convierta en una copia irreal de sí misma y, por tanto, "en la simulación de algo que nunca existió".
La percepción de la realidad es también el eje de la obra de Itziar Okariz (Donostia, 1965), que interviene por los espacios del Museo "echando" irrintzis, un grito ancestral vasco que se ha mantenido como forma de expresar júbilo en las celebraciones festivas, generando diferentes tipos de resonancias en las distintas salas del museo.
intervenciones Maider López (Donostia, 1975) vuelve a incidir en la arquitectura del Guggenheim, transformando una de las salas clásicas del Museo en una "sala Frank Gehry". "Quería mimetizarse con las demás salas del museo", comentaba ayer con ironía. "Es una sala para ser recorrida, no observada", recomienda.
Del mismo modo, la obra de Sergio Prego (Donostia, 1969), interactúa en el edificio de Frank Ghery. Con Secuencia de diedros, el artista interviene sobre el muro cortina de cristal del interior del Atrio y contrasta y completa la irregularidad de su estructura. "Es una escultura móvil que está colgando de la cristalera. Es una reinterpretación de la arquitectura del Museo. Quería evidenciar de lo que es deudor el museo en relación a la historia de la arquitectura. Para mí, la posmodernidad no es una ruptura con la tradición, sino su desarrollo".
Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Gipuzkoa, 1969) expone Horizontes, una serie de banderines festivos con los que recicla y modifica la herencia gráfico-escultórica de Chillida, desde una perspectiva mediatizada.
También Asier Mendizabal (Ordizia, 1973) explora los límites del Museo con Nom de guerre, una obra que problematiza la función monumental de la escultura y que alude, indirectamente, a la efemérides que celebra el décimo aniversario de la inauguración del Museo. Una celebración que propone a estos diez artistas que expongan, sin miedo, Chacun à son goût. |
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